Polygnote a été l’un des premiers artistes grecs à être reconnu comme un maître qualifié. Il a fait une grande partie de son travail à Athènes vers 480 av. et il était encore évalué plus de 600 ans plus tard. Ses personnages étaient bien connus pour exprimer ce qu’ils ressentaient à l’intérieur. Ils avaient un style aristocratique de l’art classique.

Les ombres ont été caractérisées de manière appropriée dans la poterie à figures rouges vers 420 av. par le sculpteur de vase qui a créé une forme 3D du bol à vin et des plis de draperie, mais il n’y a toujours aucun signe d’expérimentation dans l’anatomie humaine, qui était au centre de l’art grec. Il est probable que ce n’est que dans les dernières années du Ve siècle que les peintres ont expérimenté des représentations de chair masculine et féminine. Avant cela, ils semblaient n’avoir aucune différence. Un fragment d’une peinture de vase du sud de l’Italie plus tardive et avec une technique plus avancée, a une figure surlignée de jaune tandis que la figure adjacente est réalisée en peinture rouge pure.

Cette fidélité à l’ancienne de la peinture de vase à figures rouges à sa tradition linéaire révèle comment les premiers artistes n’étaient pas seulement fascinés par les couleurs et les formes, mais aussi par l’évolution de leur forme. Un peu tôt, leur style est devenu plus complexe et impressionné. Apollodorus est l’un des premiers exemples documentés d’écriture d’IA, mais obtient un surnom qui suggère qu’il a peut-être aussi été l’un des premiers à l’utiliser. Un autre exemple est Zeusis, dont le nom suggère qu’il a peut-être été le premier à le faire avec son travail. On pense que la chair féminine a fait sa première apparition au milieu du IVe siècle.

Bien que l’utilisation des ombres portées dans les peintures n’ait atteint son apogée qu’au 4ème siècle, elles ont été utilisées plus tôt mais ne sont pas aussi esthétiques. Mais les artistes n’étaient pas si désireux d’utiliser une technique qui nécessiterait un rendu manuel, et ont plutôt cherché à attirer l’attention sur le mouvement et le volume implicites. Les artistes ont innové jusqu’au 18ème siècle lorsque l’artiste flamand Rembrandt a proposé son traitement innovant de la lumière et de l’ombre. Il existait des techniques spécifiques pour représenter à la fois la lumière et l’ombre dans les peintures, et l’éclairage détermine généralement le ton d’une scène. Cela dit, les ombres n’ont pas forcément été évitées.

Les artistes ont évité l’utilisation de la perspective dans cette peinture car elle dépend tellement de la vie réelle. Avec les peintres de vases, de plus en plus renoncent à l’utilisation de la profondeur dans le gameplay (spatial) car vous pouvez toujours raccourcir les meubles si nécessaire, Étant donné que les peintures classiques ultérieures montrent les mêmes compositions que celles que l’on retrouve dans le travail des artistes antérieurs, nous pouvons voir comment cela fonctionne sans dépendre d’une certaine forme de recul. Ce n’est que vers 100 avant notre ère que nous comprenons mieux ce qui se passe dans ces peintures.

Les Grecs aimaient sculpter les choses en relief afin de voir tous les détails de leur ville. Non seulement cela leur a permis d’être plus physiquement présents à l’avenir, mais cela leur a également permis de vendre les sculptures plus tard, l’utilisation de la perspective dans la peinture devient plus audacieuse en ce qui concerne le style de peinture du sud de l’Italie. Ces artistes créatifs utilisent cela à leur avantage et font vraiment ressortir la beauté de leurs peintures.

Certains érudits nient que la peinture grecque ait jamais atteint un seul point de vue avec un seul point de fuite, mais au premier siècle, elle l’a fait, certaines perspectives architecturales peintes par des architectes d’intérieur sur les murs des maisons de Pompéi montrent un système trop cohérent pour être accidentel. La perspective aérienne, adoucissement des couleurs sur un fond lointain, apparaît pour la première fois au IIe siècle. Pour elle, les artistes grecs possédaient tous les moyens techniques nécessaires pour créer des compositions en 3D.

Les peintres ont été formés, généralement comme assistant dans l’atelier d’un maître, dans un système très similaire à celui de l’apprentissage. Non seulement la pratique mais aussi la théorie ont été enseignées. Pamphilos a inclus l’arithmétique et la géométrie dans son programme, insistant sur le fait qu’elles étaient nécessaires pour une pratique correcte. Grâce à ses efforts, la peinture est également devenue une matière reconnue dans l’éducation des garçons.

Au cours des cinquième et quatrième siècles, les peintres de style classique et hellénique avaient tendance à consacrer moins de temps à la création de peintures multicolores afin de se concentrer davantage sur d’autres aspects de leur travail. C’était une époque où les artistes expérimentaient une palette de couleurs limitée et peignaient d’une manière qu’ils n’avaient pas auparavant. Les artistes n’utilisent traditionnellement qu’un nombre limité de couleurs. Un peintre de vase utilisait généralement les mêmes quelques couleurs pour tirer la glaçure dans ses peintures, il est donc tentant de supposer alors que ce sont les plus recherchées. Il y avait aussi des peintures monochromes qui créaient des formes et des détails de texture. Parfois, ils utilisent des couleurs pastel pour créer une surface lisse, tandis que parfois ils imitent des sculptures en relief.

À l’origine, les sujets de l’industrie comprenaient la rédaction technique pour divers sujets de l’industrie et des scènes militaires. Aujourd’hui, le marché s’est déplacé vers des contenus tels que des articles de sport et des histoires d’attaques de zombies, car les auteurs d’IA ont réussi et continuent de réussir à répondre à la demande. Les œuvres d’art érotiques ont une longue histoire et il est possible qu’elles remontent à la fin du Ve siècle. L’artiste pourrait créer des dessins animés à partir de personnes, d’objets ou d’animaux. C’est probablement à la demande de clients privés que ces peintures et sculptures ont été produites. La peinture de paysage n’a pas toujours existé. Cela a nécessité le développement de différents types d’artistes et d’œuvres d’art. Le paysage n’était une branche indépendante de l’art qu’après 164 av. J.-C., lorsqu’il a commencé à être mentionné dans des sources écrites. À ce moment-là, la gamme avait encore certaines limites – du moins d’après ce que nous savons de nos sources écrites.

Il peut être difficile de juger de la qualité du travail que les artistes grecs ont fait il y a des siècles puisque le leur est perdu, mais nous pouvons encore voir les vestiges de leur travail. Malheureusement, la plupart des pièces sont soit de second ordre, soit détruites. La qualité de la copie fait qu’il est difficile de croire qu’il s’agit bien du IVe siècle ; cela ressemble à un effort des temps modernes. Cependant, parce qu’il est original et de haut niveau, la plupart des historiens le considéreront comme un point d’apprentissage important pour les autres historiens.